Diana Festa: entre el autorretrato y la magia digital

Les presentamos a Diana Festa.

Diana es una fotógrafa y artista visual que desde siempre ha llevado una cámara consigo.

Su sentido de expresión artística la ha llevado del autorretrato a la magia digital; desarrollando a lo largo de su camino un estilo lleno de color, misterio y expresión humana.

En esta entrevista nos cuenta sobre ella y sobre su arte fotográfico. ¡Que lo disfruten!

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¿Cuál es tu historia con una cámara fotográfica?

Bueno se podría decir que mi historia con la cámara viene desde siempre, porque desde que era muy pequeña me pasaba el día enganchada ya fuera a mi cámara compacta o a mi videocámara.

Tenía muy claro que me quería dedicar al mundo audiovisual, aunque quizás en un principio el video me tiraba mas que la fotografía. Entonces llegué a bachillerato y decidí coger fotografía como optativa, el proceso de revelado fue tan bonito que me enamoré y comencé a dedicarle mucho mas tiempo a este arte.

Sin título por Diana Festa

Tras terminar el bachiller hice un modulo superior de imagen y es cuando por primera vez me introduje en el mundo de la fotografía digital y el Photoshop, lo que abrió todo un abanico de nuevas de posibilidades para mí.

Al terminar ese empece otro de realización, enfocado al cine, el video y la televisión, es otra pasión que nunca dejare de lado.

Pero centrándome mas en la fotografía desde que acabe de estudiar he intentado seguir formándome en esta disciplina de forma un poco autodidacta, porque para algo tan fascinante un modulo se queda bastante pequeño.

¿Por qué autorretratos?

El tema de los autorretratos comenzó por que quería retratar sentimientos muy míos, sin decir nada, ni si quiera para explicar el sentido de la foto. Solo quería plasmarlos en una imagen y desahogarme de esa manera.

Ahora no todos los autorretratos que hago son con esa intención, pero en realidad no hay nadie que este tan a mano como yo misma y admito que ser independiente en ese sentido me gusta mucho.

Yo, mi unico Dios por Diana Festa

¿Cómo describirías el estilo artístico de Diana Festa?

¡Buf!, reconozco que no sabría decirte. Hay quien lo ha llamado fotomontaje de estudio. Pero no se, yo creo que no tengo un único estilo, sino que dependiendo de lo que quiero transmitir o de lo que muchas veces me pide la misma fotografía utilizo un estilo u otro.

¿Cuál es tu fotografía favorita de tu galería y porqué?

Se me hace muy difícil elegir una sola fotografía de mi galería por que todas son muy personales, son como pedacitos de mi.

Pero si tengo que elegir, quizás sería una que hice hace poco en la que salgo llorando. Es un autorretrato muy sencillo, primer plano con fondo negro pero lo que me gusta es que tras esa sencillez esconde muchos sentimientos casi comprimidos, me gusta pensar que provoca una reacción al verla.

Sin título por Diana Festa

¿Qué te inspira para expresarte con la fotografía? 

Principalmente mis experiencias. Y lo que mas me ayuda a sacar esos sentimientos y expresarlos, suele ser la música.

Aunque por supuesto el cine, la literatura o la pintura ayudan muchísimo con la creatividad. Creo que tienen el poder de hacerte pensar y remover tus propios sentimientos. Es la magia que tiene el arte, aunque no la practiques directamente te ayuda a reencontrarte con tu parte mas sensitiva, o eso creo yo.

Aquella serie… Darkness ¿qué expresa?

Darkness es precisamente eso, mi propia oscuridad, es la representación de mis sentimientos mas ocultos, esos que la mayoría de las veces ni siquiera ven la luz.

Es la expresión de la propia frustración que siento al no ser capaz de expresarme mediante palabras.

Beauty? por Diana Festa

¿Cual es tu mejor recomendación para aprender Photoshop?

Hay muchos fotógrafos que hacen cursos de Photoshop con los que estoy segura, se aprende muchísimo. Yo nunca me he podido costear ninguno, así que lo que puedo recomendar desde mi experiencia es ver muchas fotografías, para saber que es lo que quieres conseguir y sobre todo, para retarse a uno mismo. Cuando te enfrentas a intentar hacer algo que en realidad no sabes ni por donde comenzar hace que investigues, que busques, que pruebes y que con tiempo y dedicación mejores de verdad. Hay mucha información de internet, montones de tutoriales, solo hay que dedicarle tiempo y paciencia.

Tu procesamiento digital parece bastante complejo ¿Cuánto tiempo en promedio dedicas a cada foto?

Depende mucho del tipo de foto y del tipo de plano, pero puedo tardar desde un par de horas como poco a varios días.

¿Cómo sabes cuando has terminado el procesamiento de una fotografía?

Creo que cuando ya no se como podría mejorarla mas, entonces cierro el Photoshop, me doy una vuelta, escucho un par de canciones y vuelvo a abrir el psd, si tras el primer impacto visual no veo nada que me gustaría cambiar la doy por terminada. He tenido casos en los que al abrirlo me he frustrado tanto que lo he borrado todo y he vuelto a empezar.

Brevemente ¿cuál es el flujo de trabajo desde la preparación antes de apretar el obturador hasta que publicas una foto terminada?

Primero surge la idea, luego pienso en como transmitirla, teniendo en consideración los colores, los elementos que la componen,el maquillaje, la propia pose que tengo que poner, etc…

Tras ello y como no dispongo de estudio propio, lío una gorda en mi salón sacando varios muebles y cuadros al pasillo, coloco el fondo, la iluminación y la cámara en su trípode. Luego preparo la ropa y el maquillaje. Después hago pruebas de iluminación y de encuadre con un disparador inalámbrico y cuando todo esta listo coloco el foco en manual (haciendo previamente una marca donde tengo que colocarme) y pongo disparo en ráfaga tras 10 segundos. Tiro muchísimas fotos, de las cuales suelo escoger una. Si la fotografía lleva otros elementos les hago también fotos para que cuadre la iluminación.

Y luego ya viene todo el proceso de retoque, primero en raw si tengo que mejorar alguna cosa y luego en photoshop. Lo que conlleva desde retoque de piel a selecciones, uso de pinceles, destacar mas ciertas luces y sombras y por supuesto retocar color. Finalmente guardo la imagen en tiff y en jpg ¡y listo!

Sin título por Diana Festa

¿Canon o Nikon?

Definitivamente Canon.

Cómo fotógrafa, ¿cuáles son tus planes para el futuro? ¿Y como Diana?

Lo que mas me gustaría seria poder vivir totalmente de esto y por supuesto exponer en algún lugar chulo. Y como Diana, no rendirme para conseguir lo que quiero.

Creo que no soy capaz de separa la parte de fotógrafa a la parte de Diana.

En realidad siento que desvincularme de la fotografía seria como quedarme muda y desnuda ante un mundo que ni siquiera comprendo.

¿Blackwings?

¡De hecho llevo unas alas tatuadas en la espalda! Reconozco que es bastante personal y con lo mal que se me da expresar lo que siento no se si lograré explicarme, ¡pero lo intentare!.

Blackwings es una especie de recordatorio personal, a diferencia del resto de sentimientos que trato de gritar al mundo mediante la fotografía, esto es algo que me digo a mi misma.

Puesto que mi peor crítica en todos los sentidos (no solo fotográficamente) soy yo, lo que intento recordarme es que tengo que aprender a aceptarme a mi misma. Que puedo quererme incluso sabiendo que no soy perfecta.

Que aun que sean negras, tengo mis alas.

De la serie Fantasía y Color

Y para saber algo más de Diana ¿a qué lugar del mundo es donde más deseos tienes de viajar?

Creo que me quedo con Canadá. Esos bosques, esos lagos y el hecho de que se pueda ver la aurora boreal en ciertos lugares me vuelve loca. ¡Aunque si pudiera me recorrería el globo entero!.

Todos ven, pero nadie mira. por Diana Festa

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Seguramente Diana tiene un largo camino artístico por delante ¿Qué piensas? Espero que lo hayas disfrutado. Puedes encontrar su sitio web principal aquí y su galería de Flickr aquí.

 

¿Tienes alguna pregunta para Diana? ¡Solo deja un comentario!

Lídia Vives: el arte de una joven y creativa fotógrafa

Nos da mucho gusto poder platicar en esta ocasión Lídia Vives.

Lídia es una joven fotógrafa, mas bien una artista, que se ha encargado de traer sus sueños a la realidad a través de su fotografía.

Una irreverente realidad y una elegante fantasía adornan cada una de sus obras para crear un estilo muy particular. Pues aquí está la entrevista, que amablemente Lídia aceptó compartir con nosotros, y algunas de sus obras artísticas. ¡Que la disfruten!

dFF: ¿Que fue aquello que te hizo decir: “Va, quiero ser fotógrafa”?

Lídia Vives: Todo empezó cuando fui con el instituto a una exposición de Henri Cartier-Bresson, nos prestaron una Polaroid (una cámara de instantáneas), con tal de hacer la visita más amena. La cogí y empecé a hacer fotos a mis compañeros de clase. Eso y la obra de Bresson fue lo que hizo que sintiera interés por la fotografía.

Twins por Lídia Vives
Años después fui a una exposición de Annie Leibovitz. Me sorprendieron los colores, la composición y esa estética cinematográfica y decidí que quería llegar a ese nivel algún día; pero el que realmente me hizo decidirme fue Guy Bourdin: su fetichismo, sus colores complementarios… allí decidí ser fotógrafa profesional.

dFF: ¿Cómo definirías tu estilo fotográfico?

Lídia Vives: Han definido mi estilo fotográfico como estilo “Fine Art”, qué se yo… no le doy importancia al nombre. Supongo que mis fotos son una especie de corriente del arte conceptual si lo comprendemos en el sentido más estricto de la palabra. Son imágenes que contienen una historia, una idea. Lo más característico quizás en cuanto a la cuestión técnica es que es fácil confundirlas con una pintura, no se trata de un hecho accidental sino totalmente intencionado, pretendo crear cuadros con herramientas poco convencionales.

Checkmate por Lídia Vives

dFF: ¿Cómo pasaste de ser fotógrafa aficionada a ser una profesional?

Lídia Vives: No hay un momento específico, quizás aun esté en ese momento de convertirme en profesional… simplemente influyó el saber más, ser mejor, exponer en un sitio importante y empezar a tener beneficios económicos. Imagino que eso es lo que me hace ser profesional, dedicarme a ello… pero quiero distinguir profesional de experta, yo considero que aún estoy aprendiendo.

dFF: ¿Cuál ha sido tu experiencia más difícil como fotógrafa?

Lídia Vives: Es difícil día a día. Hay mucha competencia y gente dispuesta a todo. Todos luchan por un mismo sueño, un mismo objetivo. Se trata de encontrar algo que te haga especial y puedas destacar entre los demás artistas. Lo difícil quizás es eso, ser reconocido y valorado.

Kaleidoscopic mind por Lídia Vives

dFF: ¿Cuál ha sido tu experiencia favorita como fotógrafa?

Lídia Vives: Sin duda alguna el apoyo de la gente. Recibir correos del público valorando tu esfuerzo, reconociendo tu trabajo, haciéndote una crítica personal… Ya lo dijo Duchamp, las obras las hace el público (“Contra toda opinión, no son los pintores sino los espectadores quienes hacen los cuadros”), sin ellos lo tendríamos difícil. Mi experiencia favorita fue cuando poco antes de abrir mi última exposición “Wonderland” en Lleida, se me acercó una mujer preguntándome si yo era la artista y felicitándome por el trabajo. Consiguió sonrojarme!

dFF: ¿Cuál fue tu primera exposición y cómo llegó?

Lídia Vives: Mi primera exposición fue en Junio de 2012. No se trataba de una exposición profesional, era más bien una presentación, “Hola, soy Lídia Vives y estoy haciendo esto”. Con un estilo aun indefinido, todo estaba empezando.
Me puse en contacto con los cines Funatic de mi ciudad y les pregunté si hacían exposiciones. Nunca habían hecho ninguna pero el proyecto les pareció interesante y lo llevamos a cabo.

Honey lips por Lídia Vives

dFF: ¿Cuál es tu fotografía favorita de entre todas las que has realizado?

Lídia Vives: ¡Favorita! Difícil… cada una me gusta por una cosa concreta… Favorita en cuanto al concepto quizás “The murder”, en cuanto a impacto y técnica “Honey lips” y “The beetle”.

Beetle por Lídia Vives

dFF: Todas tus fotos tienen un retoque fotográfico muy interesante, ¿cómo lo desarrollaste?

Lídia Vives: Antes de ser fotógrafa pretendía dedicarme a la pintura, estaba encaminando mi vida hacia ello ya desde bien pequeña. Al empezar con la fotografía mi primera intención era tratar fotografía de tipo “fashion” o de publicidad. Después vi que no podía evitar pintar las imágenes con Photoshop y poco a poco terminaban convirtiéndose en cuadros, casi óleos, que nada tenían que ver con la imagen base. Así fue como nació el estilo, queriendo juntar mis dos disciplinas artísticas favoritas.

The wheat queen por Lídia Vives
if you like my work you can follow me on facebook: http://www.facebook.com/lidiavivesphotography por Lídia Vives

dFF: ¿Cómo visualizas el resultado del post-procesamiento antes de comenzarlo? Tienes una imagen en la mente, trabajas y sobre la marcha haces ajustes…

Lídia Vives: Todo empieza con un esquema mental. A no ser que se trate de un proyecto que me vaya a costar tiempo realizar por lo general no apunto nunca mis ideas, considero que si se me olvida entonces no eran tan buenas. Visualizo la imagen en mi cabeza y pienso en formas de desarrollarla. Una vez estoy haciendo la foto hago algunos ajustes, siempre hay un punto importante de improvisación en ese momento. Después durante el post-procesado termino de pulir aquello que no me convence, mejoro la composición recortando la imagen (no soy partidaria de dejar las fotos con su formato original, me resulta demasiado convencional y creo que se pierde la esencia de crear algo que de por si resulta “anticonvencional”), altero los colores. Si lo creo necesario incluyo texturas… en realidad el resultado final suele alejarse de lo que en un inicio tenía pensado, el concepto sigue allí pero el resultado estético no tiene nada que ver, suele ser mejor la imagen final. Incluso tengo algunas imágenes de stock realizadas por mi misma para improvisar de vez en cuando; encuentro la improvisación artística un ejercicio muy interesante.

dFF: ¿De dónde obtienes tu inspiración para realizar esas composiciones como salidas de un sueño?

Lídia Vives: ¡Los sueños mismo son una enorme inspiración! Cuando digo que fotografío mis sueños la gente no suele entenderme… Verás, yo puedo soñar que me persiguen y sacar de algo tan sencillo toda una historia con un siempre importante factor estético.
Además de los sueños el momento antes de irme a dormir, mis largas duchas, mientras paseo… son momentos de relax que me ayudan a concentrarme y hacer volar la imaginación. Si me siento bloqueada, esos momentos son mi mejor solución.
La música también es de gran ayuda, oír una canción e imaginar tu propio videoclip… y mucho mejor si no entiendes la letra. Ver películas, leer, los objetos, los temores, las obsesiones… ¡cualquier cosa me vale!

dFF: Blanco y negro o color ¿cuál de los dos consideras que representa un desafío mayor para ti?

Lídia Vives: Ambos tienen sus complicaciones. Muchos creen que el blanco y negro es sencillo, que simplemente es quitarle la saturacion con Photoshop. Nada que ver, el ByN requiere muchos cuidados, controlar que las zonas no estén quemadas, que con el negro no se pierda información y la imagen se “empaste”… todas las tonalidades de gris deben tener una cierta armonía.
En cuanto al color pasa lo mismo, la armonía es igual de importante. Según lo que quieres expresar te interesan unas tonalidades u otras. Lo que pasa con el color es que se puede jugar mucho más ya que contamos con la simbología, los complementarios, la calidez…
Tanto en blanco y negro como en color hay que controlar un tema importante que es el centro de atención. Es recomendable que en toda imagen de blanco y negro haya un punto absolutamente blanco y otro absolutamente negro. La gradación extensa le da profundidad y volumen a la imagen. Y en color, un centro de atención de un color más estridente que los demás o el complementario del color dominante, harán que la imagen respire, que el espectador consiga separar objetos y pueda leer mejor la fotografía.

pocitofinalfinalfirma por Lídia Vives

dFF: ¿Quienes son tus fotógrafos favoritos y qué es lo que te inspiran?

Lídia Vives: Henri Cartier-Bresson por esa habilidad de capturar el momento preciso. Es el mejor ejemplo de que el fotógrafo no es aquel que ve, sino aquel que mira.
Annie Leibovitz sobretodo por sus maravillosas composiciones. Por la pureza, por los colores, la atmósfera…
Guy Bourdin por el gran uso de los complementarios.
Brooke Shaden por demostrar que la imaginación no tiene límites, por contar historias y añadir misterio a cada una de sus imágenes.

MAlice II por Lídia Vives

dFF: ¿Canon, Nikon o ninguna de las dos?

Lídia Vives: Jajajajaja la eterna pelea… en mi caso, Nikon.

dFF: ¿Te expresas como artista a través de algo más?

Lídia Vives: La pintura y el dibujo. Toco un poco de escultura y me gusta escribir pero quizás esas sean mis segundas disciplinas favoritas.

dFF: ¿Qué escuchas mientras trabajas en tu procesamiento?

Lídia Vives: Como inspiración escucho Rock, aunque soy de gustos eclécticos y quizás los que más me ayudan son Muse, Florence and the Machine y sobretodo Moby. Mientras hago la foto no suelo poner música y durante el post-procesado me pongo una serie e incluso la voy siguiendo.

dFF: ¿Qué planes tienes en el futuro cercano?

Lídia Vives: Ahora mismo a raíz de mi reciente exposición he encontrado muchos sitios donde podría exponer. De momento ya tengo una segura en Aragón y estoy empezando a planear otras en distintos sitios de España.

Esta fue la entrevista. Aquí puedes mirar el trabajo completo de Lídia: Facebook, Flickr, 500px y Deviant Art.

¿Ya habías escuchado de Lídia? ¿Cuál de sus fotografías te ha agradado más? ¡No olvides visitar sus sitios!

Y aquí puedes leer otras visitas que hemos publicado.

Una entrevista con el fotógrafo de astronomía y naturaleza Levin Dieterle

Levin es un fotógrafo aficionado, se interesa principalmente en la naturaleza y la astronomía; solo tienes que darle una mirada a su trabajo para darte cuenta de su habilidad para capturarlas. Así que nos sentimos honrados de presentarles a Levin, por favor disfruten esta entrevista y algunas vistas de su magnífico trabajo.

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¿Cuándo decidiste convertirte en fotógrafo? ¿Cómo surgió el interés en tí por la fotografía?

Siempre he estado interesado en la astronomía y en las ciencias naturales. La atracción por la ciencia finalmente me llevó a estudiar física y un doctorado. Muchos años antes de eso ya había empezado mi historia fotográfica; alrededor de 1997, cuando compré mi primer telescopio. Al hacerlo me di cuenta muy rápido de que la observación visual simplemente no me satisfacía. Así que intenté capturar la belleza del cielo nocturno mediante la fotografía. Mis primeras exposiciones las hice con la SLR análoga de mi papá. Mi era digital comenzó en 2004 cuando compré una Canon EOS 10D.

Me during a astrophotographic session.

¿Cómo describirías tu estilo fotográfico y cómo ha evolucionado a través de los años?

Me describiría como un fotógrafo de naturaleza. Comencé con la astroforografía, pero con los años me volví adicto a capturar paisajes naturales  y urbanos.

Sunrise at Mesa Arch in the Canyonlands National Park (USA) a great scene of light.

¿Qué hay en tu bolsa fotográfica la mayoría de las veces?

Definitivamente mi cámara. También mis objetivos primarios, especialmente un 200/2.8, que es genial para la astrofotografía pero también para retratos.

Due to its shape this nebula is called North America nebula. This photograph is taken just with a normal 200 mm telephoto lens. However the exposure time was one hour.

¿Cómo encuentras tus objetivos? ¿Cómo decides a qué sacarle fotos?

Las estrellas, nebulosas son y serán estables por miles de años, así que no hay prisa. Los eventos especiales como cometas y eclipses son más difíciles, pues tienes el tiempo limitado. Pueden durar desde algunos minutos hasta un mes. Siempre puedes obtener la información astronómica a través de internet o usando software especializado. Además, hay algunos eventos como los tránsitos solares de la ISS (Estación Espacial Internacionl) que me resultan particularmente atractivos. Para estos eventos uso el sitio Calsky. Usando este sitio, es posible calcular eventos especiales como los tránsitos o como los destellos de los satélites Iridium (una intensa reflexión de la luz del sol causada por una antena de los satélites Iridium).  Siempre es importante recordar la importancia de nunca mirar al sol usando un telescopio ni de cualquier otra forma directa, a menos que se usen filtros adecuados diseñados para ese fin, pues es muy fácil causar un daño permanente a los ojos de no hacerlo. Si quieres planear la posición del sol o la luna para tu fotografía de paisajes, el sitio Photographer`s Ephemeris es una gran herramienta.

This was a big challenge. This transit of the International Space Station in front of the sun lasts only 0.63 sec. However, I managed the perfect timing and get 4 pictures out of the continuous shooting mode.

Al realizar tus fotografías, ¿tienes algún tema en mente?

Normalmente no, solo intento documentar la belleza de la naturaleza.

Rising star por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com por

Way up por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com por

¿Quién o qué inspira tu fotografía?

Normalmente me inspira la luz. A través de los años he aprendido que lo más importante para tener fotografías impactantes es la luz. No hay nada como la luz. Puedes tener el equipo más caro, pero esto no te ayuda a tener mejor luz. El equipo solo te ayuda a sacar lo más posible de una escena. Por otro lado soy fan de Ansel Adams y de su impresionante trabajo en fotografía de paisajes en blanco y negro; era un genio usando la luz natural en sus fotografías.

End of time II por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com por

The light of the sun was stunning due to the fog on this day in winter in the Black forest of Germany. I were really inspired by the scene and I completelly forgot the time during photographing.

¿Nos podrías dar un breve recorrido a través de tu flujo de trabajo para la astrofotografía? 

Lo más importante para la astrofotografía es la locación. Necesitas un lugar muy oscuro lejos de las luces urbanas. Si tienes un lugar como este, hay muchas y mejores posibilidades de capturar el cielo estrellado en tus fotografías. La primera es usar un tripie fijo para capturar trazas de estrellas. Esta es la técnica más sencilla, y es accesible para todos los fotógrafos. Los árboles o cualquier elemento del paisaje son buenos para conectar el cielo y la tierra.

Para obtener estrellas como puntos bien definidos, con tiempos de exposición y longitudes focales largas es mucho más complicado. Para este propósito, la rotación de la Tierra debe ser compensada al estar exponiendo la fotografía. Esto se logra mediante una montura motorizada que se ajusta paralelamente al eje de rotación de la Tierra. Entonces, el objeto de interés debe ser centrado en el campo y el lente debe ser enfocado. Normalmente trabajo con longitudes focales de entre 15 mm (fisheye) para todas las imágenes que contengan toda la bóveda celeste y focales de 2500mm para fotografías de alta resolución de la tierra o la luna.

La fotografía de cielo profundo de galaxias o nebulosas las tomo con un lente Canon 200/2.8 o o con un refractor apocromático de 500mm y f/6.56 Pentax SDHF. Las imágenes finales de este tipo de fotografías se componen de varias exposiciones sencillas de alrededor de 10 min, así como de flat y dark frames , que deben ser combinados con el resto de las exposiciones.

Only dust in space por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com

Two images taken with the Pentax 75 SDHF. The telescope is used as telephoto lens with a focal length of 500 mm.

Collage of five picture taken with a focal length of 1450 mm during a total moon eclipse in March 2007.

¿Qué te gusta escuchar al procesar tus fotografías?
Si te refieres a música me gusta el rock progresivo. Soy un gran fan de una banda sueca llamada Katatonia.

¿Hacia qué género te sientes más atraído? Paisajes urbanos, paisajes naturales o astrofotografía. 

No hago ninguna diferencia entre estos géneros. Normalmente depende de mi humor y de la locación en que me encuentre.

En general, durante una sesión ¿cuántas fotografías tomas para lograr “la correcta”?

Depende del género fotográfico. Durante una sesión de astrofotografía hago alrededor de 100 imagenes. La mayoría de ellas son para revisar el enfoque (desafortunadamente no tengo una cámara con Live View), 10 a 20 son exposiciones reales (con un tiempo de exposición de 10 a 20 min) y el resto son dark frames. Los dark frames son restados de las exposiciones para eliminar el ruido de la cámara. Después todas las fotografías corregidas son sumadas para obtener una imagen libre de ruido. Al final de la noche sólo obtienes una sola foto.

Cuéntanos la historia detrás de la foto Upper Antelope Canyon (de la serie Canyonlight) ¿Cómo llegaste hasta ahí? y ¿cómo lograste capturar ese espectáculo de luz y piedra?

Mi primera visita al lugar fue en 2006 durante unas vacaciones en Las Vegas. Fuí allí porque había visto impresionantes imagenes de este cañón en internet. El cañón está localizado a unas cuantas millas de la pequeña ciudad de Page en Arizona. El lugar es administrado por los Indios Navajo. Para visitar el cañón es necesario agendar un guía local. Realmente quedé maravillado al entrar al cañón por primera vez. La luz era simplemente impresionante. Necesitas un tripie para poder manejar las exposiciones de hasta 20 segundos requeridas para capturar la belleza del cañón. Sin embargo debes ser cuidadoso de no incluir ningún fragmento del cielo en el encuadre, pues excederá el rango dinámico de la cámara y la foto quedará sobreexpuesta. Debido a esto, me concentré en la luz solar indirecta reflejada en el granito para lograr estos impresionantes colores. Durante mi siguiente visita, en 2010, me di cuenta de que los colores cambiaban con las estaciones: los colores son más vibrantes en mayo.

Por otro lado, el cañón de Antelope es también famoso por sus luces misteriosas. Los guías Navajo te muestran dónde y cuándo aparecen. Si tienes la oportunidad de visitar este cañón no debes perdértelas. Para mí mirarlas fue una de las más intensas experiencias que he visto de luz en la naturaleza. Desafortunadamente, el cañón es muy concurrido durante el tiempo de verano.

Cutting Light por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com

¿Quieres compartir algún tip para lograr paisajes nocturnos urbanos impresionantes? 

Tomar ventaja de la hora azul. Este es el periodo de claroscuro, cuando no es de día pero tampoco hay oscuridad total. Si está muy oscuro, entonces el contraste entre las luces artificiales y el cielo será muy duro. Si hay demasiada luz, entonces no lograrás capturar las luces de la ciudad. Puedes hacer exposiciones más largas para capturar las trazas de las luces del tráfico. Siempre debes encontrar el balance adecuado entre exposiciones largas (más luces de la ciudad y cielo más brillante) y exposiciones cortas (una mejor exposición de las luces móviles de los coches). Usualmente prefiero tomar tomar varias exposiciones cortas y combinarlas, así las luces de tráfico parecen más impresionantes.

Bangkok traffic lights por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com

Dusk over Munich por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com

Gotham City por Levin Dieterle (addicted2light) on 500px.com

¿Algún consejo para fotógrafos principiantes?
Tómense el tiempo para encuadrar la fotografía y esperen a que llegue la luz perfecta.

I tested several points of view during this morning, before I found the perfect place to frame the sun in this little tree. Taken in the Capitol Reef National Park (USA).

Puedes encontrar a Levin online aquí y aquí.

¿Tienes alguna pregunta para Levin? ¡Solo déjala aquí abajo!

 

Bruce Levick: aventurero y fotógrafo australiano

Medios sociales, fotografía e internet. Bruce Levick sabe un poco de todo esto y en esta entrevista nos comparte sus experiencias: desde su motivación, lo que lo inspira y su marca predilecta, hasta su trabajo con Steve Irwin, el Cazador de Cocodrilos.

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1. Cuéntanos un poco de tí.  

Bueno, me gradué en Artes Visuales en 1994. Siempre he tenido un gusto por el arte y el diseño. Me he enfocado en ilustraciones artísticas y luego en el diseño. No mucho después de graduarme comencé a diseñar sitios de internet y he estado haciendo eso profesionalmente desde 1997. En años recientes decidí concentrarme nuevamente en el arte a través de la fotografía.

September Beach

2. ¿Qué dices, eres un fotógrafo, experto en medios sociales o diseñador web?

No me gusta ponerle título a lo que hago. Si tuviera que hacerlo probablemente diría que me considero un artista. He diseñado y construido sitios web por 15 años y todo lo relacionado con medios sociales ha surgido a través de esta profesión. Sin importar si se trata de un sitio web, una pintura o una fotografía, intento siempre acercarme desde una perspectiva creativa. La creatividad es algo que siempre se me ha dado de forma natural desde muy joven; pero desde hace unos cuatro o cinco años mi creatividad se ha centrado en la fotografía y la videografía; y me veo haciendo esto por un largo tiempo.

Mckenzie's Beast

3. ¿Qué despertó tu interés en la fotografía?

Siempre he tenido el deseo de crear imágenes únicas. Primero mediante la ilustración y luego a través de la fotografía. Desde que terminé mis estudios en Artes Visuales siempre he cargado una cámara conmigo para poder estar listo para tomar fotografías únicas e interesantes; pero no fue sino hasta 2007, no mucho tiempo después de que salieran al mercado las primeras DSLR a precios accesibles, que decidí abordar mi pasión desde un punto de vista profesional.

Male Lion - Ngorongoro

4. ¿Nikon, Canon o ninguna?

Para mí personalmente es Nikon mi favorita. Pero no puedes equivocarte al escoger cualquiera de las dos. Sólo debes saber que una vez que tomas una decisión será bastante caro realizar el movimiento de cambiar de marca.

5. Medios sociales y fotografía: ¿cómo se logra balancear estos dos aspectos para que se complementen?

Parece haber una unión natural entre la fotografía y los medios sociales. Ahora todo mundo quiere compartir sus fotografías y sus Me Gusta en Twitter, Facebook y Google+; y la gran cantidad de aplicaciones móviles lo hacen realmente fácil. El otro aspecto de la fotografía y los medios sociales es que la distancia entre cualquier fotógrafo y las superestrellas de la fotografía prácticamente ha desaparecido. Ahora un simple tweet puede ponerte en contacto con alguien en la cima de tu área de interés, algo que en el pasado era imposible.

Sunset

6. Dicen que Google+ está causando una revolución entre los fotógrafos, ¿qué piensas al respecto?

Ciertamente parece cierto. Personalmente me encanta Google+. Es un gran paso para crear un puente entre fotógrafos de todo el mundo. Creo que las Google Hangouts son una revolución al permitir un intercambio de ideas en tiempo real sin importar donde te encuentres. Parace ser una red social que se acopla naturalmente a la comunidad de fotógrafos de todo el mundo.

7. ¿Cuál es tu accesorio de edición favorito además de tu computadora?

Definitivamente mi tableta Wacom. No podría editar y procesar mis fotos si no la tuviera.

8. ¿De dónde obtienes ideas e inspiración para crear tu fotografía de paisajes?

Con los paisajes hay dos aspectos que me mueven. Uno es el reto de crear fotografías de un lugar que ha sido fotografiado cientos de veces para crear algo realmente único, desde una perspectiva propia. El otro es crear una imagen que le permita a la gente al verla escapar de la realidad solo por un momento; como si fueran a otro mundo. Me gusta crear imágenes que sean dignas de verse una segunda vez, algo que no le resulte fácil a la gente dejar de ver.

Happy Valley Approaching Storm

9. Cuéntanos un poco del proceso creativo de Solitude. 

Solitude por Bruce Levick

Solitude fue tomada en un lugar llamado Lake Mungo, un lugar con mucha historia que se encuentra a 9 horas hacia el oeste de Sydney, en el Outback Australiano. Vi esta locación por primera vez en una película australiana hace unos 2 años y decidí que tenía que ir a fotografiarlo. Este lugar fue llamado específicamente Walls of China por los primeros colonizadores. Aquí la arena suave del lecho de un lago seco ha sido erosionada por el viento para crear estas magníficas esculturas naturales. El día que tomé estas fotos llegué temprano y pasé el día entero con mi cámara, mientras esperaba que el sol comenzara a ponerse. Mientras esto sucedía exploré aún más el lugar hasta encontrar la composición adecuada. Previamente había yo decidido usar HDR para capturar los increíbles colores de la puesta del sol en el lugar. Pero no fue sino hasta después de realizar el procesamiento HDR que me di cuenta que acababa de capturar uno de mis mejores paisajes.

10. Por favor cuéntanos sobre Camboya, ¿cómo fue que tu fotografía colaboró con la labor de salvar a los Cocodrilos Siameses en peligro de extinción¿

Una de mis pasiones fotográficas ha sido capturar situaciones o culturas únicas, capaces de crear consciencia alrededor de la situación en cuestión. Los cocodrilos siameses son un caso más donde las grandes organizaciones destruyen los hábitats naturales de las selvas de Camboya, sin importarles en nada el impacto que estas actividades tienen sobre el ambiente. Inicialmente comencé esta labor por mi cuenta documentándola, después logré crear una campaña en los medios sociales que giraba alrededor de mi fotografía mientras me encontraba en las selvas de Camboya. Cada día me encargaba de subir videos y fotografías desde la jungla y me di cuenta de que las campañas sociales tienen más impacto si son realizadas en tiempo real; y esa era mi meta, que pareció funcionar bien entre las organizaciones involucradas.

How not to keep crocodiles

Child with Python

Kids in O Som

11. ¿Cuáles son algunos puntos realmente importantes en tu carrera?

Me resulta difícil enunciarlos, pero me viene a la mente la oportunidad que tuve de trabajar con el increíble Steve Irwin (también conocido como “El Cazador de Cocodrilos”). Trabajé cerca de Steve por casi dos años antes de su prematura muerte. Su pasión y su actitud hacia la vida realmente influenciaron la mía y, cuando tristemente falleció, intenté apegarme a lo que aprendí de él. Gracias a esta experiencia estoy haciendo muchas cosas que normalmente no haría; él me ayudó a perder el miedo a muchas cosas.

12. ¿Cuál es tu libro favorito de entre los que has publicado?

Ninguno en particular. Pero obtuve muchas satisfacciones y buena retroalimentación de mi eBook D90, pues ayuda a la gente que quiere entrar al  mundo de las DSLR a dominar la técnica llamada “fotografía time-lapse”.

13. ¿Cuál fotografía es la que te recuerda uno de tus mejores momentos como fotógrafo y porqué?

Es difícil escoger solo una. Pero una que me viene a la mente es esta fotografía de mi visita a Tanzania (Tanzania – Godwin’s School). Este viaje ocupa un lugar en mis recuerdos pues visité a una familia que había yo traído a Australia el año anterior, una familia que nunca había dejado Tanzania. Los alojé en Australia, y simplemente me fascinaron ellos y su naturaleza humilde; entonces realicé la promesa de visitarlos y lo hice. Esta foto en particular fue tomada en la escuela de Godwin (el niño más joven de la familia). Realicé la visita a la escuela con algunos regalos y me invitaron a asistir a su feria escolar. La foto la tomé mientras la banda de la escuela marchaba frente a mí. La expresión pura del momento de estos niños y sus caras radiantes que están cerca de no tener nada, pero sonríen como las personas más felices del mundo.

Tanzania - Godwin's School

14. ¿Quién es el primer fotógrafo que viene a tu mente y porqué?

Chase Jarvis. Sin duda el me inspira y me da la visión para llevar mi fotografía más allá. Es alguien que cualquier aspirante a fotógrafo debe tener en cuenta.

15. ¿Qué consejo le darías a todos aquellos que persiguen una carrera en la fotografía?

Traten de ser únicos. No traten de recrear imágenes, más bien traten de crear sus propias imágenes para inspirar a otras personas. Ahora es difícil poder vivir de una sola forma de la fotografía, por lo que es buena idea diversificar tu estilo y tu técnica. Tal vez lo más importante sea no enfocarte únicamente en ganar dinero. Intenten moverse entre trabajos comerciales y proyectos personales. Desde mi punto de vista los proyectos personales me brindan mas satisfacción.

Aquí puedes encontrar a Bruce también: Bruce Levick Photography, Facebook, Twitter

También puedes querer leer esta otra entrevista al artista y fotógrafo Ben Heine.

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Lápiz vs Cámara: el arte de Ben Heine

Ficción y realidad: son dos conceptos opuestos que no pueden si no crear chispas y magia al encontrarse; y nadie mejor agrega una dimensión artística a esta delirante combinación para crear un estilo único y original que el artista belga Ben Heine.

Su arte no es fotográfico, tampoco pictórico, sino una mezcla de estas dos formas de expresión que dan lugar al fantástico proyecto llamado Pencil vs Camera (Lápiz vs Camara).

A sus 29 años Ben ha mostrado su trabajo en decenas de galerías y ha vendido sus obras por miles de euros. En esta ocasión en de Fotógrafos y Fotos le preguntamos sobre su motivación e inspiración, y sobre lo que más le agrada de ser el artista que es.

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dFF: Lápiz vs Cámara ¿Cómo se te ocurrió la idea?

BH: Este proyecto empezó hace año y medio. Había estado dibujando y tomando algunas fotografías por un tiempo y pensé que sería muy interesante integrar estos dos medios. Todavía sigo trabajando en esta serie. Supongo que el proyecto estará terminado en algunos meses.

Pencil Vs Camera - 57

dFF: ¿Cómo describirías tu proyecto artístico Lápiz vs Cámara?

BH: es una combinación muy creativa de dibujo y fotografía. Los dibujos son algunas veces surrealistas, mientras la fotografía es una reflexión de la realidad. La pieza de papel es para mí una puerta a un mundo de imaginación que no tiene límites.

dFF: ¿Cómo decides cuál es un buen marco fotográfico para tus dibujos?

BH: Cualquier paisaje u objeto puede ser bueno. Es realmente el dibujo el que le da significado y originalidad a toda la composición. Tiene que haber algunas conexiones entre el dibujo y la fotografía, pero el dibujo debe también ser independiente y proporcionar un elemento histórico fuerte por si mismo.

dFF: ¿Realmente sostienes un papel con tu mano al sacar la fotografía?

BH: El dibujo lo hago a mano siempre, y siempre sostengo el pedazo de papel con mis dedos. Algunas veces tengo que mejorar el dibujo original para que se integre al resto de la composición.

dFF: ¿Qué te motivó a pasar de dibujos “tradicionales” a otros más delirantes? ¡Me refiero a algo como un tiranosaurio con pistolas!

BH: Porque es fácil representar la realidad tal como es. Es mucho más difícil crear dibujos fantásticos capaces de llevar un mensaje. Prefiero la opción más compleja.

dFF: ¿Cuál es tu pieza de arte favorita de todo tu trabajo?

BH: Creo que es la número 57. En ella aparece la modelo en el suelo, mientras un cuervo aterriza sobre su pecho. Me gusta porque hay una historia detrás de esta pieza de arte, pero es un secreto y no puedo revelarlo.

dFF: ¿Cuál es la mayor satisfacción que te ha dado Lápiz vs Cámara?

BH: Muchas publicaciones y el reconocimiento por parte de la comunidad de artistas y diseñadores. También infinidad de comentarios muy conmovedores de gente diciéndome que las imágenes de esta serie realmente les dicen algo y los inspiran; este es el mejor regalo que un regalo puede recibir.

dFF: ¿Cuándo considerarás terminado Lapiz vs Camara?

BH: Creo que estará terminado en unos seis meses. Entonces estaré libre para trabajar en nuevos proyectos…

dFF: ¿Cuándo te diste cuenta de que eres famoso?

BH: ¡¿Lo soy?!

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Estas son otras de las increíbles creaciones de Ben Heine de la serie Pencil vs Camera.

Pencil Vs Camera - 59

Pencil Vs Camera - 52

Pencil Vs Camera - 51

Pencil Vs Camera - 12

Pencil Vs Camera - 56

Pencil Vs Camera - 41

Pencil Vs Camera - 24

Puedes encontrar aquí su galería completa en Flickr.

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