Recordando el Fallo de Reciprocidad

Pues este será el primero de una serie de publicaciones recordando algunas de las curiosidades de la fotografía que por algún motivo, principalmente el imparable avance de la tecnología, ya no son recordadas y mucho menos importantes. Y la primera de estas curiosidades es… el fallo de reciprocidad. Primero qué nada vamos con la reciprocidad. Para los que les gustan las cosas complicadas (o formales) la Ley de Reciprocidad o Ley de Bunsen-Roscoe indica que la exposición de una película es proporcional a la cantidad de luz incidente, y la luz incidente es el producto de la intensidad de la luz multiplicada por el tiempo. ¿Y en términos fotográficos? Muy sencillo: la intensidad está relacionada con la abertura y el tiempo con el obturador. Así que pongámoslo con un ejemplo.

Supongamos que la cámara te da una exposición de 1/125 por segundo con una apertura de f8, dicho de forma corta “1/125 a f8”, pero como se trata de un evento deportivo requieres de una velocidad mayor para congelar la imagen, así que decides usar 1/250, lo que implica que tienes que ajustar el diafragma a f5.6. Si decidieras disparar a 1/500 la reciprocidad te indica que tu diafragma debe ser f4. Recuerda que para compensar la exposición si reduces el tiempo de exposición debes aumentar el tamaño del diafragma. Entonces:

  1/125 a f8 = 1/250 a f5.6 = 1/500 a f4

Lo que quiere decir que estas configuraciones son recíprocas, y que te proporcionan la misma exposición. Si duplicas la velocidad del obturador debes duplicar también la intensidad de la luz abriendo el diafragma. ¿Fácil no? Pero ahora viene el problema, bueno, al menos lo era cuando las cámaras utilizaban películas y no sensores, y el problema se llamaba fallo de reciprocidad.

Las películas y el fallo de reciprocidad

Hace algunos años las cámaras usaban películas que reaccionaban químicamente al ser expuestas a la luz para capturar una imagen. El cambio químico era mas grande conforme aumentaba la cantidad de luz a la que era expuesta. Así una foto podía pasar de estar completamente oscura, o subexpuesta, a estar completamente iluminada, o sobreexpuesta; en función del tiempo de exposición… hasta cierto punto, debido al fallo de reciprocidad. El fallo de reciprocidad no era evidente al usar tiempos de exposición cortos, si el tiempo de obturación era de 2 o 5 segundos el problema era imperceptible; sin embargo si los tiempos de exposición eran del orden de minutos, el fotógrafo debía considerar el efecto del fallo de reciprocidad. Tal vez te preguntes porqué diablos ibas a usar una fotografía de 5 minutos de duración. Bueno… tal vez estés usando un filtro de densidad neutra para lograr ese efecto de seda en un río, o tal vez quieras capturar el cielo nocturno o algunos trazos de estrellas. En estas dos últimas situaciones el usar tiempos de obturación de 5 minutos, y hasta de 30 minutos, es algo común; y el fallo de reciprocidad no dejará de hacer de las suyas en esta situaciones. Para comprender su efecto imagina que tienes las siguientes exposiciones:

1 min a f4, 2 min a f4 y 4 min a f4

La abertura se mantuvo constante pero duplicamos el tiempo de obturación cada vez, por lo que esperaríamos que la exposición se duplicara también… lo cual no sucedía si usabas una película; debido a que la sensibilidad de la película, o su habilidad para captar la luz, disminuía conforme aumentaba el tiempo que estaba expuesta. Por este motivo, pasar de 2 minutos a 4 minutos no duplicaba la exposición. Si querías verdaderamente duplicar el tiempo de exposición debías compensar el fallo de reciprocidad con la ayuda de tablas como esta, que en una columna te proporcionaban el tiempo de obturación medido y en la otra el tiempo de obturación compensado. Mira el siguiente ejemplo.

Sin fallo de reciprocidad: 1 min a f4, 2 min a f4 y 4 min a f4

Con fallo de reciprocidad compensado: 3 min a f4, 7 min a f4 y 16 min a f4

¿Lo ves? Al utilizar 1 min a f4 con una cámara sin fallo de reciprocidad obtendríamos la misma exposición que con 3 min a f4 con una cámara con fallo de reciprocidad compensado. ¡Son dos minutos de diferencia!

El fallo de reciprocidad gráficamente

La gráfica anterior ilustra el fallo de reciprocidad. Parece complicada, pero lo importante es la sección recta que aparece a la mitad. Es a lo largo de esta línea recta que no es requerido hacer ajuste alguno para compensar el fallo de reciprocidad, a partir de donde la línea deja de ser recta, la compensación se vuelve indispensable. Si quieres mirar los detalles y la explicación puedes leer esto.

Buenas y malas noticias

Afortunadamente ahora contamos con cámaras con sensores electrónicos y podemos estar seguros de que si duplicamos el tiempo de obturación y mantenemos constante la abertura, vamos a duplicar efectivamente la exposición de nuestra foto, sin importar si es una foto de segundos o minutos, y ésta es la buena noticia.

La mala noticia es que los sensores digitales introducen otro problema llamado ruido electrónico, que aumenta con el tiempo de obturación, sobre todo al usar valores ISO altos. Sin embargo, otra buena noticia es que los sensores más modernos son muy buenos para reducir el ruido electrónico en la mayoría de las situaciones, y si esto no fuera suficiente, existen técnicas de procesamiento digital para eliminarlo casi completamente.

Es bueno ser fotógrafo en estos días, ¿no crees? ¿Alguna vez tuviste que compensar el fallo de reciprocidad?

Foto de Portada: “Mono Lake Star Trails” por Photofanman

Adobe Camera Raw: algunos conceptos básicos

En marzo de 2014, después de la publicación en el noviembre anterior de mi libro “Paths to Artistic Imaging in Photoshop”, decidí escribir un capítulo extra sobre Adobe Camera Raw, como una pequeña muestra de gratitud para quienes compraron una de mis copias.

El objetivo del capítulo es hablar sobre las características que están ahora disponibles en Adobe Camera Raw y demostrar sus capacidades.

Aquí te presento un resumen del nuevo capítulo. Incluye una sección introductoria, así como una explicación de una de las herramientas mas útiles en el módulo de Adobe Camera Raw.

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Las nuevas capacidades del módulo Adobe Camera Raw (ACR), incluido en la nueva versión de Photoshop CS6, me han impresionado bastante, por lo que decidí escribir al respecto, sin embargo el tema no encajaba bien con el tema del libro, por lo que lo agregué como un capítulo adicional.

Este módulo de Photoshop incluye herramientas para ajustar los archivos raw y ha sido mejorado bastante. Adobe Camera Raw ha sido siempre una herramienta muy útil y una mejor alternativa para el procesamiento de imágenes de calidad, comparado con el uso de archivos JPG, sin embargo, la ultima versión es considerablemente mejor que sus predecesoras.

Ahora mostraré algunas imágenes a manera de ejemplo y utilizaré las herramientas de Adobe Camera Raw para obtener resultados bastante impresionantes, aún sin haberlas procesado en Photoshop.

Las herramientas en Adobe Camera Raw son rápidas y, como los ajustes son efectuados sobre la información original, puedes exprimir una increíble cantidad de detalles finos de un archivo de buena calidad, y sin degradar la imagen.

Corriendo el riesgo de enunciar lo obvio, lo primero que debes hacer es asegurarte de que tu cámara está programada para guardar archivos raw, así podrás usar los siguientes métodos con el mayor provecho.

Una de las nuevas características del módulo es que no solo puede abrir documentos raw, sino también TIF y JPG. Con esta mejora, si bien los archivos raw no son necesarios, los mejores resultados los obtendrás al procesar tus fotografías usándolos; pues la información original de la cámara está disponible únicamente al usar archivos raw. Si usas JPG o TIF debes tener en cuenta de que estos formatos ya han sido procesados de alguna manera por la cámara antes de guardarlos en tu tarjeta de memoria, por lo que mucha información útil se habrá perdido para entonces.

Los archivos raw contienen una sorprendente cantidad de información oculta, que puede ser utilizada por Adobe Camera Raw para revelar detalles tan finos que no imaginas.

Entrando un poco más en la materia, debo decir que Adobe Camera Raw no es el único módulo para procesamiento raw que existe. Nikon y Canon tienen sus propias versiones, de las cuáles hablé en el capítulo 4 de mi libro, sin embargo hay muchas otras. A pesar de esto, ACR es uno de los módulos más comunes, pues cualquiera que tenga Photoshop, cuenta también con este módulo. Y resulta también que este módulo es el que yo uso, ¡así que es el único del que me siento más calificado para hablar!

Pues ahora si, es tiempo de mirar algunas de las nuevas características de ACR.

Primero lo primero

Para comenzar naveguemos hacia la ventana principal.

En caso de que no lo sepas, es generalmente mejor abrir tus archivos desde Adobe Bridge, ya sea haciendo doble clic en el archivo o seleccionando más de un archivo, haciendo clic derecho y escogiendo Abrir o Abrir en Camera Raw.

La opción Abrir en Camera Raw es muy útil si deseas hacer algún trabajo inicial en algunas imagenes, sin abrirlas directamente en Photoshop. También es útil si deseas hacer ajustes y luego guardar el resultado en un nuevo tipo de archivo: DNG, TIF, PSD o JPG, por ejemplo.

La primera ilustración es el módulo Adobe Camera Raw, tal como aparece cuando se abre un archivo por primera vez.

Adobe Camera Raw Window

Al abrir la ventana, tenemos que poner algo de orden. En la parte inferior y al centro de la ventana, hay una línea de texto, en la que debes hacer clic. Esto abre un diálogo que aparece en esta segunda ilustración.

 Dialogue

Creo que la figura anterior se explica sola, sin embargo es importante que ajustes estas opciones como mejor se adapten a tu flujo de trabajo.

En primer lugar, ajusta tu espacio de color preferido; los más comunes son Adobe RGB o sRGB. Para los que no están muy familiarizados con los espacios de color, sRGB es la opción más segura, aunque para trabajos artísticos de alta calidad, prefiero usar el modo Adobe RGB.

El bit depth puede ajustarse tranquilamente a 8 bits en la mayoría de los casos, sin embargo yo uso 16 bit.

Y respecto de los tres restantes, yo prefiero no tocarlos y usar los valores por defecto: el redimensionamiento y sharpening se procesan mejor en Photoshop. Por otro lado, yo no uso Smart Objects para mi trabajo, pero si deseas usarlos puedes hacerlo sin problemas.

Si haces clic en el botón Save Image a la izquierda podrás salvar tu trabajo en la imagen como un archivo separado en un formato diferente, tal como lo mencioné anteriormente. Por otro lado, el botón Open Image abre tu imagen en Photoshop y el botón Done guarda tus cambios sin abrir la imagen.

Al movernos a la parte superior izquierda de la ventana de Adobe Camera raw, el tercer botón desde el final abre el diálogo de Preferencias; donde las dos primeras opciones son importantes.

En este nuevo cuadro de diálogo lo mejor que puedes hacer en la mayoría de los casos es ajustar la opción “Save Image Settings In” a Sidecar.xmp, también es esencial ajustar la opción “Apply sharpening” únicamente a Previsualizaciones. Por ahora debes creerme: definitivamente no quieres aplicar sharpening antes de haber completado tus ajustes en Photoshop.

También es importante mencionar los elementos del área superior derecha de la ventana. Aquí encontrarás un histograma de la imagen, así como un visor RGB de la lectura de cualquier lugar donde se encuentre el cursor, y también algo de información acerca del archivo. Me hubiera gustado contar con otro modo de lectura además de RGB, pues este modo no resulta muy útil a menos que estés buscando los neutrales.

Si leyeras el libro sabrías que no soy un gran fan de los histogramas, así que esta parte de la ventana no es muy útil, desde mi humilde opinión.

Por último, el checkbox de Vista Previa junto al histograma te permite mirar la imagen con los ajustes que realizaste y la imagen tal como la abriste. Es imporatante hacer notar sin embargo que esta función intercambiará únicamente las vistas de los ajustes de la pestaña que estás usando en el momento, a menos que selecciones una de las últimas dos; Presets o Snapshopts, lo que entonces intercambiará las vistas con el resultado de los ajustes hechos en todas las pestañas.

La herramienta Targeted Adjustment

Esta herramienta es una de las más útiles y poderosas en Adobe Camera Raw. Y creéme, recuerda utilizar el shortcut de la letra T ahora y te ahorrarás mucho tiempo.

Selecciona Targeted Adjustment, haz clic en la imagen y escoge uno de los valores HSL, Hue, Saturation o Luminance. Ignora por ahora la opción de Curva Paramétrica, que aporta poco, en mi humilde opinión. Después simplemente haz clic y arrastra arriba o abajo el color que quieres ajustar y esta poderosa herramienta ajustará, como su nombre lo indica, el tono preciso. Una demostración en este punto sería muy útil, así que aquí va.

La siguiente ilustracióncorresponde a un archivo raw con todos los parámetros sin modificación alguna.

Canoe 1

Digamos que deseo oscurecer un poco el agua para agregar profundidad y para centrar la atención en el canoista.

Selecciono entonces la herramienta Targeted Adjustment, hago clic en la imagen y selecciono Luminance. Entonces ubico el cursor sobre una sección del agua, hago clic y arrastro el selector hasta alcanzar la densidad de color que deseo.

Para fines demostrativos, hago lo mismo con la parte amarilla del chaleco salvavidas del fondo: selecciono Hue y arrastro el selector para realizar el cambio. Al hacerlo, también desaparece un poco del componente amarillo en el chaleco verde, y el agua se mueve un poco del cyan al azul. Así queda la foto después de este segundo ajuste.

Canoe 2

Me adelanté otro poco con la tercera foto, que aparece abajo, al realizar otros ajustes que mejoraron espectacularmente la foto, ¡aún antes de abrir Photoshop!

Canoe 3

Pues si leíste hasta este punto te doy las gracias. ¡Espero que mis humildes contribuciones impacten positivamente en tu trabajo futuro!

Si quieres leer más sobre técnicas de procesamiento en Photoshop te invito a leer mi libro, que está disponible en Australia y Canada desde mi sitio web  – www.russbrownart.com – y para el resto del mundo desde Amazon… justo aquí:

Paths to Artistic Imaging in Photoshop. How to Create Stunning Photographic Art From Capture to Processing.

También puedes mirar algo más de mi trabajo en Fine Art America – http://1-russ-brown.pixels.com/ – y también en mi página en Artsy Shark – http://networkedblogs.com/SqfmS.

¿Tienes alguna pregunta? Me gustaría leerla abajo.

El tutorial más sencillo para fotos en sepia azul

A  menudo vemos imágenes en internet procesadas con un estilo que nos recuerda el sepia pero con un tono azul y podríamos preguntarnos “¿Cómo se hace?” Bueno, la verdad no es tan difícil, solo sigue este sencillo tutorial y obtendrás increíbles resultados en 5 pasos.

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Paso 1:

Abre el archivo jpeg que quieres procesar en sepia azul. Yo escogí una imagen de esta hermosa flor.

Duplica la capa presionando Ctrl + J en el teclado. Ahora hay que cambiar la saturación de la imagen presionando Ctrl + U y seleccionando -100. Tu imagen se verá así:

Process 1

Paso 2:

Ajusta la capa actual al modo “Screen” haciendo clic en la pequeña flecja de la ventana “Layers” .

Process 2

Haz clic en la imagen original (la que está a color) y presiona Ctrl + U, a continuación desatúrala a -95.

Process 3

Process 4

 

Paso 3:

Ahora es tiempo de jugar con los colores. Escoge la primera capa, ahora haz clic en  Image > Adjustments > Selective Colour y en el menú desplegable Colors selecciona Neutrals y ajusta Black a -12.

Process 5: select the layer.

Process 6: playing with the colours.

Después, juega un poco con los ajustes de la ventana Color Balance. Estos son los ajustes que yo usé para la imagen.

Process 7: my color balance settings.

Ahora tu foto se verá así:

Process 8: image after playing with colour balance.

Paso 4:

Haz clic en la capa “Layer 0” (la copia), ahora ve a Selective Color y juega un poco con el menú desplegable Colors, pero ahora seleccionando Whites, luego Neutrals y por último Blacks como se muestra abajo:

Process 9a: setting the selective color options. Process 9b: setting the selective color options. Process 9c: setting the selective color options.

Resultado:

The final result.

El toque final:

Junta las capas presionando Shift+Ctr+E. Luego presiona Ctrl+J para duplicar la capa que quedó. Ve a Filter > Noise > Add Noise y selecciona 5% en la caja Amount seleccionando “Uniform Distribution” and “Monochromatic”. Haz clic en Ok.

Por último realiza algunos ajustes finales de niveles. Estos son los ajustes que usé.

Process 11: adding noise.

Junta las capas otra vez y este es el resultado de tu bonita imágen con un tono profesional de sepia azul.

Final result

Tip: si no quieres agregar ruido, simplemente sáltate este paso y realiza nada más el ajuste final de niveles. Este procesamiento se ve increíble en paisajes, retratos o hasta en naturaleza muerta.

Y eso es todo. ¿Cómo se ve tu foto? ¡Compártela en un comentario o comparte un enlace a tu galería!

 

La mejor introducción a Stacking de Enfoque (Focus Stacking)

He sido fotógrafo profesional por alrededor de 30 años ahora, y siempre he estado enamorado de la fotografía, desde que era un niño.

Desde entonces ya me había dado cuenta de las limitaciones asociadas a la profundidad de campo.

En fotografía macro particularmente, la profundidad de campo a distancias tan  cortas es verdadermente mínima. El método usual de manipular la abertura para mejorarla ayuda poco, y además, desafortunadamente vuelve el resultado borroso debido a la difracción en el lente; menoscabando la intención original.

Read in English

Afortunadamente estos días, así como en muchas otras áreas de la fotografía, el procesamiento digital de imagenes ha llegado al rescate.

Final Result

Ahora, si tienes un objeto que permanece inmóvil suficiente tiempo como para permitirte colocar una cámara y disparar varias veces, la limitación de profundidad de campo puede ser sorteada de una forma dramática.

Si realizas una búsqueda en Google para “Focus Stacking (stacking de enfoque) o simplemente miras este artículo (http://en.wikipedia.org/wiki/Focus_stacking), encontrarás mucha información muy útil, así como varios programas disponibles para trabajar en esta técnica. El concepto es muy similar a combinar varias fotos con diferentes exposiciones, como en HDR, pero afectando el enfoque en lugar de la exposición.

Personalmente he tratado un par de el software disponible para realizar stacking de enfoque, y he encontrado que Helicon Focus es el que más me ha gustado.

Si tienes el software y quieres intentarlo por tu propia cuenta, ahora mismo voy a describir la técnica.

Para empezar, necesitas poner todo en orden. Un tripie resistente es esencial. Si disparas en interiores necesitaras algo de iluminación; preferiblemente de dos fuentes. Yo usé dos unidades de flash. Si usas este arreglo, entonces es buena idea tener dos tripies adicionales, básicos y  baratos, solo para los flashes. Esto te permitirá posicionarlos más efectiv y seguramente.

Realizar la sesión fotográfica afuera es posible, pero necesitas estar seguro de que el viento no mueva tu objetivo entre cada disparo. Otros aspectos que debes tener en cuenta es colocar algún material de fondo y asegurarte de mantener tu objetivo fotográfico en su lugar y fijo. Claramente para este tipo de trabajo, un lente macro y otros accesorios de acercamiento, como tubos de extensión, son muy útiles.

Cuando hayas puesto todo en orden, ajusta el enfoque sobre la parte de tu objetivo que estás más cerca de la cámara y comienza a disparar. Mueve el enfoque en cada toma ligeramente más lejos de la cámara, hasta que alcances el punto más lejano que desees mantener nítido con esta técnica.

SI es posible, usa una abertura media. Para la mayoría de los lentes, esta estará alrededor de f/11 o f/8. Este ajuste te dará el resultado más nítido. También recuerda mantener la calidad de la luz (dirección e intensidad) constante. Mientras más tomas realices con puntos de enfoque más cercanos entre sí, el resultado será mejor. Yo hago alrededor de 20 tomas para un objetivo como este. Procura que ningún objeto aislado aparezca dentro de la fotografía pero fuera del área de enfoque, de otra forma se verá bastante feo y distraerá al observador del objetivo principal (de aquí viene mi sugerencia de usar algún material o tela en el fondo).

Aquí hay dos imagenes, justo en cada extremo del enfoque.

Figure 2

Figure 3

Una vez que hayas capturado las imágenes, comienza la parte divertida. Yo disparo usando RAW, por lo que procedí a convertir mis archivos en TIF usando Adobe Camera Raw. Despues abrí los archivos TIF en Helicon. Con las fotos abiertas debes escoger entonces un método, un radio y los ajustes de suavizado. El método define como el programa reconoce las transiciones entre cada foto. El radio es el tamaño del área que toma en cuenta para encontrar las características coincidentes (ajustes pequeños para resultados más finos y detallados). Por último el suavizado, como el nombre lo sugiere, suaviza las transiciones para dar una apariencia uniforme.

Hacer esto requiere algo de experimentación, pero si tienes un buen número de fotos, casi cualquier ajuste que hagas te dará un buen resultado. Puedes probar con un ajuste, y después procesar la foto con otro y comparar los resultados directamente. El programa guarda los ajustes que usas en el nombre del archivo, por lo que siempre sabrás cuales has usado. Para ese tipo de objetivos yo uso generalmente el Método B (Depth Map) y un Radio y Suavizado de 4. Hay mucha documentación disponible en el sitio web del software si deseas aprender y experimentar más.

Este es el resultado de la imagen procesada con algunos ajustes básicos de contraste y color.

Figure 4

Cuando tengas un resultado con el que estés contento, revísalo nuevamente con una magnificación alta para encontrar cualquier defecto, casi siempre puedes repararlo usando el archivo original, usando la pestaña de Retoque. Cuando hayas terminado haz clic en la pestaña Guardar y salva tu archivo final, que podrás abrir en Photoshop para procesarlo otro poco: contraste, corrección de color, y sharpening. Mi imagen terminada está al inicio del artículo.

Helicon Focus tiene también otra interesante habilidad que produce versiones animadas en 3D de tus fotos usando las imagenes apiladas. No siempre funciona bien, pero algunas veces puede dar resultados verdaderamente impresionantes.

Así que ahora te toca a tí. Haz algunos disparos y experimenta con estas ideas, ¡y comparte tus resultados o comentarios! Estaré contento de saber de tí.

Desaturación Selectiva sin Photoshop – Segunda Vuelta

Hace unos meses publiqué este artículo, que es uno de los mas leídos en de Fotógrafos y Fotos. El artículo habla sobre cómo lograr un efecto de desaturación selectiva. La desaturación selectiva es una técnica de procesamiento que permite eliminar el color de una composición fotográfica, dejándolo únicamente en un elemento de la fotografía. Un taxi amarillo entre un mar de coches y edificios sin color, una rosa roja en un jardín monotono o el vestido de una chica entre una multitud apagada. Creo que ya captaron la idea de la desaturación selectiva. En el artículo les proponía una forma de lograr este efecto sin usar Photoshop, usando Picnik. Sin embargo los tiempos han cambiado y para quienes no lo saben Picnik no existe más. Picnik era una aplicación online para realizar procesamiento básico de fotografías sin instalar nada en tu computadora. Estaba integrado a aplicaciones como Flickr o Picasa, por lo que tus fotos procesadas en este programa podían ser compartidas inmediatamente.

Picnik ya no está pero hay muchas otras alternativas, como las que enlista esta otra publicación. Una de las aplicaciones enlistadas es Pixlr, y ahora les propongo usarla para lograr el mismo efecto de desaturación selectiva, nuevamente sin usar Photoshop ni ningún software que debas instalar en tu computadora.

La idea general

El proceso en general consiste en cargar una foto desde tu computadora, duplicar la capa base y desaturarla. Después crear una máscara en la copia y pintar con un pincel suave las partes de la foto a las que se les quiere devolver el color.

Desaturación selectiva paso a paso

Este es el proceso detallado para lograr el efecto de desaturación selectiva usando Pixlr.

1. Abrir imagen desde computadora. Accede a la página principal de Pixlr y selecciona la opción que te permite cargar una imagen desde tu computadora. Navega hasta ella y ábrela.

Abrir Imagen 

2. Duplicar capa. Ve a Capa->Nueva Capa. Con este paso habrás realizado una copia de la fotografía original (si, Pixlr puede manejar capas).

Duplicar Capa

3. Desaturar la capa base. El siguiente paso consiste en eliminar el color de la capa base, para esto selecciona la capa de fondo o capa base del menú flotante Capas, que se encuentra del lado derecho de la pantalla, a continuación ve a Ajustes->Tono y Saturación (o Ctrl+U) y usa el selector de Saturación para disminuirla al mínimo moviéndola completamente a la izquierda.

Paso 3. Reducir Saturación

4. Crear Máscara de Capa en la copia. Selecciona la capa que se creó al duplicar la capa en el Paso 2 y presiona el botón “Agregar Máscara de Capa”, que es un botón que tiene un cuadro con un círculo en medio justo en la parte inferior del menú flotante Capas. Si lo haces bien la imagen cambiará a blanco y negro.

Crear una mascara en la capa nueva.

5. Seleccionar un pincel suave. Ubica la barra de herramientas y selecciona un pincel con un tamaño adecuado para procesar la parte de la foto a la que le vas a devolver el color, lo importante de este paso es ajustar la dureza a 50%.

6. Seleccionar la máscara. Mueve el cursor nuevamente al menú flotante Capas. Ubica la copia de la capa que creaste en el Paso 2 y selecciona el recuadro que representa la máscara, que es un cuadro color blanco a la derecha de la miniatura. Al hacerlo el marco del ícono de la capa cambiará a color rojo.

7. Haz la magia. Regresa a la fotografía y comienza a pintar con el pincel sobre las secciones de la fotografía a las que deseas devolverles el color. Ajusta el tamaño del pincel periódicamente para realizar un trabajo fino o grueso, dependiendo del área sobre la que trabajes. Avanza lentamente, paso a paso, si te equivocas puedes deshacer la última acción con Ctrl+Z o usando el menú flotante Historia.

Regresa el color a la fotografía.

Y eso es todo…

No podía ser más sencillo. Si leíste la publicación sobre cómo realizar este mismo proceso usando Picnik te darás cuenta de que el proceso es muy similar.

Algunas veces las fotos pueden tener un “exceso” de color, si este es el caso la foto es una candidata perfecta para ser procesada usando desaturación selectiva. Al hacerlo puedes aislar el elemento principal de la fotografía usando color, y restarle relevancia al fondo o a cualquier otro elemento al quitarle el color.

Así era la foto original:

Foto Original

Y este es el resultado:

Foto procesada usando desaturación selectiva.

¿Así o más sencillo? Tal vez requiera algo de trabajo pero el resultado vale la pena. Solo escoge una fotografía con un color brillante como elemento principal y sigue estos sencillos pasos. ¡Y no olvides compartir tu resultado! Puedes hacerlo en nuestro foro o en nuestro grupo de Flickr, o simplemente déjala en un comentario aquí abajo.