Como mejorar tu técnica para fotografiar flores

Cuando empezamos a caminar por el mundo de la fotografía, pensamos que tomar fotos de flores es lo más fácil, y no nos equivocamos. Logramos captar imágenes muy nítidas, seguro bien iluminadas, pero al verlas hay algo que falta, algo que no “llena” el ojo. Aún les falta algo y no se ven como esas fotos que pensábamos tomar.
No te desanimes, todos pasamos por lo mismo, tómate unos minutos y lee éstos tips que de seguro te ayudarán a mejorar tu técnica. A ver, empecemos.

 Lo más importante: la luz

Las luces de las primeras y últimas horas del día son sin lugar a dudas las mejores, porque te proporcionarán una iluminación suave, y como consecuencia, sombras suaves, a diferencia de la luz fuerte y plana del medio día. Como valor agregado, temprano por la mañana encontrarás las flores con la humedad del rocío, que les dan ese encanto especial de frescura.El color es un importante elemento al fotografiar flores.
Si no puedes (o no quieres) levantarte muy temprano, especialmente en días de descanso,  o si por la tarde el tiempo de luz te queda corto  ¡no hay problema! Un par de difusores o cajas de luz donde podamos aislar al sujeto, unos reflectores medianos o un par de flashes te ayudarán a contrarrestar las sombras de la luz dura del medio día.

El fondo debe servir para centrar la atención en el sujeto.

Algo que no te debe faltar: el trípode

De hecho, en tu equipo no te puede faltar un buen y sólido trípode, que es para mí totalmente imprescindible, ya que te permitirá exposiciones más nítidas con exposiciones largas sin ningún temor al movimiento del pulso. Adicionalmentel te da libertad total para moverte y componer con facilidad.

Accesorios útiles

Bueno, si ya tienes un trípode, comprar un control remoto para la cámara será bastante útil. El control evita que tengamos que tocar la cámara al momento de activar el disparador, eliminando las vibraciones ocasionadas por hacerlo. Para tomar fotos de flores también te puede resultar útil contar con unas pinzas articuladas para sujetar el tallo de la flor a cualquier objeto más fuerte para evitar que se mueva. Puedes hacerte también de unos pequeños reflectores de 20 cm de diámetro para redireccionar la luz a donde la necesites, los puedes fabricar fácilmente con un par de cartulinas tamaño A4.

Bokeh, bokeh

¿Que valores ISO debo usar?

En la fotografía de flores siempre hay que buscar la nítidez, salvo que quieras lograr efectos especiales o se trate de un trabajo creativo propio. Un componente importante para conseguir fotos nítidas es saber que valor ISO emplear. Sin entrar en detalles técnicos o electrónicos te diré que uses el más bajo que tu cámara y la iluminación te permitan. Un ISO 100 o similar será una excelente elección. Usar ISOs muy altos solo llevará a evidenciar el molesto ruido en la imagen.

Usa un tripie para obtener fotos nítidas.

¿Qué objetivo uso?

Fotografiar flores es un tema que nos da la oportunidad de usar cualquier focal: macro, gran angular, tele zoom, focal fija,etc. Y con estos objetivos puedes elegir la composición que más te guste y que vaya de acuerdo al motivo.

Por ejemplo:
Con el macro, podrás captar la diminuta belleza del interior de una flor, los estigmas, las anteras, el polen adherido, o los detalles de los pétalos; podrás fotografiar todo un mundo que muchas veces pasa desapercibido.
Con una focal fija de 300 mm obtendrás ese bello fondo desenfocado (bokeh) que dará mucha personalidad a la imagen.
Con un gran angular podrás capturar a las flores aisladas en el primer plano, rescatándolas del fondo.

Usa un macro para captar hasta el más mínimo detalle de las flores.

No olvides la composición

Encontrar nuestro sujeto seguro nos tomará algo de tiempo, y tener la paciencia para observarlo otro tanto.  Debemos estudiar todos sus ángulos y posibilidades, ver donde crece y como crece, entender la luz que lo ilumina y entonces evaluar los puntos de vista más favorables para nuestra captura.
Con nuestro sujeto ya estudiado ahora solo queda determinar dónde y cómo se ubicará dentro del encuadre, lo cual da lugar al nivel del impacto visual que tendrá el motivo de tu fotografía. Algunas reglas útiles de fotografía que vale la pena recordar para fotografiar flores son:

La regla de los tercios: conocida por todos. Su nombre proviene de las dos líneas verticales y horizontales que dividen al visor en tercios. La intersección de estos dos pares de líneas genera cuatro puntos principales o de fuerza. Cualquier sujeto contenido dentro de ellos produce más impacto visual que en cualquier otra área del formato. Por supuesto que no podemos dejar de lado las líneas que nos ayudarán a determinar áreas de dominancia en la foto. Por ejemplo, si la línea del horizonte cae en la línea superior, la imagen quedará dominada por el paisaje, pero si cae sobre la línea inferior, el cielo sería el principal protagonista.

El contraste puede crear fotos espectaculares.

Dibujos y formas: la naturaleza nos ofrece en múltiples ocasiones dibujos y formas que tenemos que aprovechar. Aquí es donde entra en juego el sentido artístico del fotógrafo. Esto puede ser algo tan simple como componer la imagen con una o dos flores generando un balance o creando un dominio una sobre la otra. ¡Pon mucha atención a las formas para aprovecharlas!

Textura y color: la textura y sensación de tridimensionalidad lo da el ángulo con el que la luz incide sobre el sujeto. Busca la luz lateral que crea relieve, textura y que acentúa el color. Aquí es donde cobra real valor aquello de “ las primeras luces o últimas” del día.
Por el contrario, si la luz incide sobre el sujeto de forma axial sobre el sujeto, las sombras desaparecen, dando lugar a una iluminación plana y dura, desbaratando nuestra imagen.

Los pétalos de una flor.

Y por último: el fondo

Algo que muchas veces los que empezamos en fotografía descuidamos, y que es precisamente lo que da ese toque de belleza a nuestra imagen, es el fondo. Busca siempre un fondo desenfocado (bokeh) para crear una profunda sensación de atención sobre nuestro sujeto. Si el fondo es confuso o llamativo la imagen se verá mermada en atención y nuestra mirada vagará por la foto sin saber donde está lo más importante. Así que hay que prestar mucha atención a esto.

A veces los fondos no se ajustan a nuestros gustos o a una buena composición y nuevamente ¡no hay problema! Crea entonces tus propios fondos. Puedes echar mano de cartulinas de color que venden en tamaño A4, teniendo cuidado de no usar colores que puedan crear una sensación de irrealidad. Otra alternativa es componer tus propios fondos con aquellas fotos de paisajes que fallaste o que tomaste porque si. Para esto puedes imprimirlas algo desenfocadas en tamaño A4 y luego colocarlas detrás del sujeto a fotografiar.

Bien,…te he dado algunos tips para que arranques en la no muy difícil tarea de fotografiar flores. Ya sabes, si tienes algo que agregar ¡me gustará leer tus comentarios!

¡¡¡Suerte!!!

Cuida el enfoque siempre.

 

Desaturación Selectiva sin Photoshop – Segunda Vuelta

Hace unos meses publiqué este artículo, que es uno de los mas leídos en de Fotógrafos y Fotos. El artículo habla sobre cómo lograr un efecto de desaturación selectiva. La desaturación selectiva es una técnica de procesamiento que permite eliminar el color de una composición fotográfica, dejándolo únicamente en un elemento de la fotografía. Un taxi amarillo entre un mar de coches y edificios sin color, una rosa roja en un jardín monotono o el vestido de una chica entre una multitud apagada. Creo que ya captaron la idea de la desaturación selectiva. En el artículo les proponía una forma de lograr este efecto sin usar Photoshop, usando Picnik. Sin embargo los tiempos han cambiado y para quienes no lo saben Picnik no existe más. Picnik era una aplicación online para realizar procesamiento básico de fotografías sin instalar nada en tu computadora. Estaba integrado a aplicaciones como Flickr o Picasa, por lo que tus fotos procesadas en este programa podían ser compartidas inmediatamente.

Picnik ya no está pero hay muchas otras alternativas, como las que enlista esta otra publicación. Una de las aplicaciones enlistadas es Pixlr, y ahora les propongo usarla para lograr el mismo efecto de desaturación selectiva, nuevamente sin usar Photoshop ni ningún software que debas instalar en tu computadora.

La idea general

El proceso en general consiste en cargar una foto desde tu computadora, duplicar la capa base y desaturarla. Después crear una máscara en la copia y pintar con un pincel suave las partes de la foto a las que se les quiere devolver el color.

Desaturación selectiva paso a paso

Este es el proceso detallado para lograr el efecto de desaturación selectiva usando Pixlr.

1. Abrir imagen desde computadora. Accede a la página principal de Pixlr y selecciona la opción que te permite cargar una imagen desde tu computadora. Navega hasta ella y ábrela.

Abrir Imagen 

2. Duplicar capa. Ve a Capa->Nueva Capa. Con este paso habrás realizado una copia de la fotografía original (si, Pixlr puede manejar capas).

Duplicar Capa

3. Desaturar la capa base. El siguiente paso consiste en eliminar el color de la capa base, para esto selecciona la capa de fondo o capa base del menú flotante Capas, que se encuentra del lado derecho de la pantalla, a continuación ve a Ajustes->Tono y Saturación (o Ctrl+U) y usa el selector de Saturación para disminuirla al mínimo moviéndola completamente a la izquierda.

Paso 3. Reducir Saturación

4. Crear Máscara de Capa en la copia. Selecciona la capa que se creó al duplicar la capa en el Paso 2 y presiona el botón “Agregar Máscara de Capa”, que es un botón que tiene un cuadro con un círculo en medio justo en la parte inferior del menú flotante Capas. Si lo haces bien la imagen cambiará a blanco y negro.

Crear una mascara en la capa nueva.

5. Seleccionar un pincel suave. Ubica la barra de herramientas y selecciona un pincel con un tamaño adecuado para procesar la parte de la foto a la que le vas a devolver el color, lo importante de este paso es ajustar la dureza a 50%.

6. Seleccionar la máscara. Mueve el cursor nuevamente al menú flotante Capas. Ubica la copia de la capa que creaste en el Paso 2 y selecciona el recuadro que representa la máscara, que es un cuadro color blanco a la derecha de la miniatura. Al hacerlo el marco del ícono de la capa cambiará a color rojo.

7. Haz la magia. Regresa a la fotografía y comienza a pintar con el pincel sobre las secciones de la fotografía a las que deseas devolverles el color. Ajusta el tamaño del pincel periódicamente para realizar un trabajo fino o grueso, dependiendo del área sobre la que trabajes. Avanza lentamente, paso a paso, si te equivocas puedes deshacer la última acción con Ctrl+Z o usando el menú flotante Historia.

Regresa el color a la fotografía.

Y eso es todo…

No podía ser más sencillo. Si leíste la publicación sobre cómo realizar este mismo proceso usando Picnik te darás cuenta de que el proceso es muy similar.

Algunas veces las fotos pueden tener un “exceso” de color, si este es el caso la foto es una candidata perfecta para ser procesada usando desaturación selectiva. Al hacerlo puedes aislar el elemento principal de la fotografía usando color, y restarle relevancia al fondo o a cualquier otro elemento al quitarle el color.

Así era la foto original:

Foto Original

Y este es el resultado:

Foto procesada usando desaturación selectiva.

¿Así o más sencillo? Tal vez requiera algo de trabajo pero el resultado vale la pena. Solo escoge una fotografía con un color brillante como elemento principal y sigue estos sencillos pasos. ¡Y no olvides compartir tu resultado! Puedes hacerlo en nuestro foro o en nuestro grupo de Flickr, o simplemente déjala en un comentario aquí abajo.

5 importantes elementos para mejores fotos – Parte 2

En la primera parte de esta pequeña serie hablamos sobre 3 de 5 importantes elementos en la fotografía: contraste, saturación y nitidez. Faltan dos que son ritmo y brillo. Así que sin otro preámbulo comenzaré con el Ritmo.

Ritmo

El ojo humano se siente atraído por el ritmo, por los patrones repetitivos. Las líneas repetitivas, los colores y las texturas  que se repiten pueden introducir un elemento de ritmo en una fotografía. Este ritmo puede funcionar perfectamente bien como el elemento principal, pero también es muy llamativo cuando se usa como elemento secundario, pues componer una fotografía entre patrones repetitivos le proporciona unidad y estructura, sin embargo hay que tener cuidado al usar elementos repetitivos como fondo, pues podrían distraer la atención del elemento principal y distraer o abrumar al observador.

La forma es el más común y fácil de usar de los elementos repetitivos: triángulos, círculos y cuadrados son formas básicas para conformar un patrón. Las sombras de un enrrejado, bolas de billar, las sillas de un auditorio, las hojas de algunas plantas, formaciones naturales; todos estos son ejemplos de buenos patrones repetitivos.

Bir-Hakeim  [Explore]  03/13 # 117 (Best) por Jerome Converset

No puede haber ejemplo más puro de una fotografía con el ritmo como elemento principal que la anterior. Los pilares de la parte inferior de este puente se repiten simétricamente, al igual que las luces. Las líneas del centro de la carretera fluyen por debajo rítmicamente y parecen reflejarse en la estructura inferior.

Participant por Wilson Hurst

 

Speeding Fall por Alessandro Cancian (flyzone) on 500px.com por

© Torsion por Maurizio Pignotti (

Ritmo con Variante: se explica por si mismo. Una escena con ritmo y un elemento que se encarga de romperlo. Será difícil que este elemento no se convierta en el elemento principal de la composición. En esta increíble foto de Andrea Peblani los arcos en cada uno de los niveles, los reflejos de las luces en el piso que parece estar mojado, las sillas prolijamente acomodadas y de repente el toldo surge justo en el centro de la composición; no hay forma de que los ojos no acaben descansando sobre él. Este es un muy buen ejemplo de ritmo con variante.

trentunodicembreduemilaundici por Andrea Plebani

Brillo

Y para el final dejamos el que quizá sea el elemento compositivo más importante por lo llamativo que es. Al ver una fotografía, aún con alguno de los otros elementos compositivos presentes, lo primero a lo que ponemos atención es al brillo, las zonas brillantes parecen querer salir de una fotografía e inevitablemente se vuelven el centro de atención.

Esto no quiere decir que el elemento principal de la fotografía tenga que ser el más brillante, pero hay que tener en cuenta que si no lo es y hay algún otro elemento más brillante, tal vez el elemento principal deba competir con el más brillante por captar la atención del observador.

... por Tatyana Kovaleva (Tatyana) on 500px.com

En la foto anterior por Tatyana Kovaleva las piernas de la modelo son inevitablemente el centro de atención al estar iluminadas agradablemente casi desde el frente, compitiendo tal vez con el ramo de flores saturado de verde.

Pont des Arts por Jubu Photographie

Esta otra foto por Jubu Photographie es un obvio y magnífico ejemplo de la importancia del brillo en una composición fotográfica. La foto tiene ritmo en el piso de tablas de madera, tiene contraste entre el color negro del pasamanos y los tonos claros del agua. La banca en el frente es nítida y está agradablemente iluminada, pero el farol y su potente luz son el elemento más brillante de esta fotografía, y al observador no le queda duda alguna de que se trata del elemento principal.

Los 5 elementos

Estos son los 5 elementos de los que hablamos en esta publicación: contraste, saturación, nitidez, ritmo y brillo. Si alguno o varios de ellos están presentes en una fotografía, indudablemente llamará la atención y no será una foto plana y poco atractiva. ¿Qué te ha parecido? Puedes darle una leída a la primera parte para tener a estos 5 elementos en mente antes de sacar tu siguiente fotografía.

¿Cuál te parece más importante? Te invito a compartir tus pensamientos en la sección de comentarios… por allá abajo.

Aquí está otra vez la Parte 1.

 

5 importantes elementos para mejores fotos – Parte 1

Esta es la Parte 2 

Al mirar una galería en Flickr o 500px nos encontramos con fotografías que simplemente no nos llaman la atención, simplemente no nos sentimos atraídos a mirarlas detenidamente, por el otro lado, hay algunas fotos que parecen querer salirse de la pantalla y no podemos evitar el hacer clic en ellas para mirarlas en todo su esplendor. ¿Qué tienen estas fotografías que se vuelven visualmente tan atractivas? ¿Qué no tienen las otras que no nos interesan? La respuesta puede no ser fácil, pero si miramos con atención, las fotografías visualmente atractivas tienen alguno (o todos) de los 5 elementos de los que platicaré en esta publicación:  contraste, saturación, brillo,   nitidez y ritmo.

Estos elementos están ahí afuera, a veces en los rincones más inverosímiles, pero los fotógrafos se caracterizan por poner atención en cosas extrañas, cosas en las que la “gente normal” no “pierde el tiempo” en observar. Si tienes en mente estos elementos a la hora de estar allá afuera con tu cámara y pones atención para capturarlos, puedes estar seguro de que lograrás unas muy buenas fotografías.

El proceso de mirar una fotografía es automático, pero si conoces y aplicas estos 5 elementos puedes tomar control de la experiencia de quien mira la fotografía.

Contraste

El primer elemento es el contraste, y se trata simplemente de la diferencia y la comparación entre luz y sombras. El contraste es una forma de atraer la atención del observador, y también una excelente forma de crear algo de dramatismo. Hay dos tipos de contraste, el contraste tonal (en el caso de la fotografía en blanco y negro) y el contraste de colores.

Contraste tonal: es la diferencia entre los blancos, los grises y los negros en fotografía. Si el contraste es alto estamos hablando de una fotografía con blancos y negros principalmente, con poco o ningún gris en el medio. Una fotografía con alto contraste confiere una sensación de fuerza y poder. Si el contraste es bajo estamos hablando de una foto con poca diferencia entre sus tonos, este tipo de contraste confiere una sensación de suavidad o delicadeza.

Alto contraste tonal

El alto contraste tonal es el elemento compositivo más importante de la fotografía anterior, seguido tal vez por el ritmo. Los colores negros y blancos abundan, mientras que los tonos grises e intermedios son pocos. El histograma de una fotografía como esta se vería como 2 picos, uno en el extremo izquierdo (negros) y otro en el extremo derecho (blancos), con alguna pequeña curva entre estos dos picos correspondientes a los grises.

Contraste de color: más sencillo no puede ser; los colores con características opuestas contrastan entre sí. Cada color acentúa las características del otro y resalta sus cualidades. El efecto se vuelve más dramático aún cuando se contrasta en color un detalle contra algo un fondo de diferente color. Otro ejemplo de contraste de color es el que sucede entre colores cálidos y fríos; los colores cálidos avanzan, mientras que los colores fríos parecen retroceder. Este increíble atardecer en esta foto de Berenice Carroll es un magnífico ejemplo de colores cálidos contrastando colores fríos. Esta fotografía también tiene otros de los 5 elementos fotográficos: saturación y nitidez.

Sunset at Eilean Donan Castle por Berenice Carroll

Las flores son magníficos temas para lograr intensos contrastes de colores opuestos. El azul de la flor de la fotografía de abajo contrasta fuertemente con el rojo del fondo y el efecto se ve aumentado debido a la poca profundidad de campo, haciendo inevitable ver a la flor azul como el elemento principal de la composición.

Vibrant Summer Blossoms (Explore # 476 March 12 2012) por Dave Smith

Saturación

La saturación es el segundo importante elemento.

Mientras más intensos sean los colores, más saturación tendrá la fotografía. Dicho de otra forma, mientras más valores medios o bajos haya para un determinado color, menos saturado estará. Esto se puede comprender mirando la siguiente imagen: en la mitad izquierda la saturación del color azul es baja (histograma superior), en la mitad derecha es alta por lo que la curva del color azul en el histograma se ha desplazado hacia laderecha (histograma inferior), hacia los valores altos o tonos blancos.

Saturacion

Para los que quieran saber que dice la placa y a manera de breviario cultural: “Dans cette maison Vincent Van Gogh a vecu chez son frere Theo de 1886 a 1888” o “En esta casa vivió Vincent Van Gogh con su hermano Theo”. Permítanme contarles que después de leer “Anhelo de Vivir” de Irving Stone tuve que buscar el número 54 de Rue Lepic en Montmartre; es una sensación extraña el saber que estuve en el mismo lugar donde pasó todos los días por dos años Vincent Van Gogh mientras intentaba encontrar un lugar en el mundo artístico parisino.

Volviendo a la saturación, una de las mejores formas de saturar naturalmente una fotografía es fotografiando en ambientes muy bien iluminados, no bajo el rayo del sol, pero si en lugares con abundante luz. Fotografiar en días nublados no es lo ideal para lograr colores saturados.

El primer elemento fotográfico que salta a la vista en la foto de abajo es la saturación (y monotonía) del color verde.

Rotala Green sp.? (found in Ha Coi - Vietnam) por LongK Lockhart

Esta foto es particularmente interesante por varios motivos: el contraste entre los colores fríos de la composición con el color rosa y cálido y la intensa saturación de la bufanda, el enfoque suave del fondo que da toda la importancia al rostro de la modelo, pero el motivo que mas llama la atención es el fino enfoque en los ojos de la modelo y el marco que crean para su rostro la bufanda y el gorro.  En esta foto abundan la saturación, la nitidez, el contraste y probablemente el ritmo; 4 de los 5 elementos importantes de una fotografía.

Sin Título por Elizaveta Musienko

Nitidez

Tal vez uno de los detalles más importantes y lo que diferencia una foto de baja calidad de una realmente buena sea la nitidez. La nitidez tiene dos aspectos técnicos principales: la agudeza (acutance) y la resolución. Por ahora basta decir que el primero depende tanto de el lente, como de la cámara y del procesado, mientras que el segundo depende única y exclusivamente de la cámara, por lo que el fotógrafo solo puede tener algo de control sobre el primero en la etapa del procesamiento digital al usar la herramienta “Unsharp Mask”. Este artículo es una excelente referencia para comprender estos dos conceptos.

Desde un punto de vista práctico, la nitidez está directamente relacionada con el enfoque, y este factor es controlado completamente por el fotógrafo.  Nuestros ojos asumen que la parte más nítida o enfocada es a la que deben poner atención y esto es uno de los elementos clave a la hora de leer una fotografía. Para poder aislar mediante el enfoque el elemento principal de la fotografía se usa el control de abertura, que a su vez define la profundidad de campo. Mientras más grande sea la abertura menor será la profundidad de campo y más énfasis habrá en el punto de enfoque, pues el resto de la fotografía aparecerá difuminado.

Por otro lado, el usar un tripie, por obvio que parezca, reduce el movimiento involuntario de la cámara y permite capturar imágenes realmente nítidas independientemente de la velocidad de obturación.

En esta magnífica foto por Kiraly Serghei destaca como elemento compositivo la nitidez, la sorprendente claridad de los detalles de este hombre: las líneas de expresión, la barba, el pelo.

Romanian Homeless por Kiraly Serghei

En esta foto de Sergio Cabezas la nitidez de las ondas de agua y del zapato contrastan con el enfoque suave del resto de la fotografía. No es sorprendente encontrar en los datos EXIF de la fotografía que se realizó con una abertura extremadamente grande (f/1.8) y una velocidad de obturación moderadamente alta (1/640s).

Cold water por Sergio Cabezas

Estas fueron los primeros 3 elementos compositivos más importantes. En la segunda y última parte de esta serie hablaré sobre los otros dos: ritmo y brillo.

¿Cuál de estos primeros tres elementos te parece más importante? ¿Te viene a la mente otro punto importante a tener en cuenta al estar tras la lente?

Esta es la Parte 2 , donde hablamos sobre los restantes elementos para mejores fotos. Si te ha interesado de seguro te gustará leer sobre el  ISO y la Abertura, o sobre la huella digital de tus fotografías.

 

Nos gustaría saber, ¿qué opinas?[poll id=”7″]

¿Cuál modo de exposición se debe usar?

Las cámaras modernas vienen repletas de funciones, una de ellas es el medidor de luz integrado. Este dispositivo se encarga de medir la cantidad de luz que entra a la cámara. La información proveniente del medidor de luz integrado le permite a la cámara calcular cuál es la exposición adecuada. Para lograr que todos los tonos del objetivo sean grabados adecuadamente es conveniente saber indicarle a la cámara que área de la composición es la que debe aparecer correctamente expuesta. Esto tal vez suene extraño, pues es deseable que toda la composición sea grabada adecuadamente, sin embargo, las cámaras tienen una capacidad limitada para hacerlo, sobre todo en situaciones de contrastes extremos entre luces y sombras. Aquí es donde se vuelve útil conocer los modos de exposición de las DSLR para decidir cuál usar en cualquier circunstancia.

La exposición y sus tres anfitriones

Son tres los modos de exposición usados en las DSLR: evaluación matricial (multi-pattern), medición ponderada central y medición puntual. Estos modos indican a la cámara para qué área de la composición debe calcular la exposición.

Evaluación Matricial: divide el área de la composición en 5 o mas segmentos y evalúa individualmente los niveles de luz de cada segmento. Entonces el microprocesador de la cámara pondera los valores de luz de cada segmento en relación con la cantidad total de luz recibida y calcula los valores adecuados de abertura y velocidad de obturación. Este modo es el “todo terreno” de los modos de exposición, pues dará resultados buenos en la mayoría de las situaciones, incluso al fotografiar escenas con un rango dinámico moderadamente alto. Sin embargo, en situaciones de contraste extremo es probable que las sombras aparezcan subexpuestas y las partes brillantes algo sobreexpuestas.

Puntos AF y zonas de medicion

Medición  Ponderada Central: en este modo se procesa también toda la luz de la composición, pero se le da más importancia a la parte que se encuentra en la zona central al momento de evaluar la exposición. En la mayoría de las cámaras el 60% de la medición es ponderado usando la información proveniente de la zona central. Este modo es efectivo cuando el elemento principal de la fotografía se encuentra al centro, como en retratos a media distancia por ejemplo. Usando este modo el elemento central estará correctamente expuesto sin que las fuentes de luz periféricas de la composición afecten la exposición.

Medición Puntual: podría decirse que este modo es similar a la Medición Ponderada Central, pues también asigna una mayor importancia a la zona central de la composición, pero el microprocesador analiza un área mucho mas pequeña de alrededor del 3.5% o menos del área total vista por la cámara. Otra diferencia es que este punto de medición puede colocarse tanto en el centro como en cualquiera de los puntos de autoenfoque disponibles en la DSLR. Este sistema de medición restringido permite decidir exactamente que punto de la composición se quiere tomar como base para calcular la exposición. La Medición Puntual es particularmente útil cuando hay algún elemento extremadamente brillante u oscuro en la composición ajeno al elemento principal, porque permite exponer adecuadamente para el elemento principal sin que otros elementos afecten la medición. Por ejemplo, al tomar una fotografía de una casa a la distancia rodeada por la nieve la Medición Puntual facilitará permitirá calcular la exposición para capturar adecuadamente la casa, sin que la brillante nieve afecte la medición.

El invitado de honor

La cámara hará su mejor esfuerzo para lograr una exposición adecuada, pero muchas veces las condiciones de iluminación son caprichosas y los resultados proporcionados por cualquiera de los modos de medición serán poco menos que aceptables. Es posible que en escenas donde la mayoría de la composición es muy brillante o muy oscuro la cámara intente compensar estos excesos generando una imagen sobreexpuesta o subexpuesta.

Boton AV

Aquí es cuando el invitado de honor hace su aparición; se trata del control de compensación de exposición (EV). Esta función nos permite aumentar o disminuir manualmente la exposición. Los signos +/- del botón de control de exposición nos permiten hacer modificaciones de 1/3 de f-stop. Un +1EV le indicará a la cámara que ajuste la velocidad de obturador o la abertura para incrementar en 1 stop  la exposición. Cuando la cámara está en prioridad de abertura, la cámara ajustará la exposición modificando la velocidad de obturación. De forma similar, en prioridad de obturador, la cámara abrirá o cerrará la abertura para lograr la compensación establecida por el EV.

¿Cuál usar?

El 80% de las veces la Evaluación Matricial hará un magnífico trabajo. Tal vez el truco es saber determinar cuándo caemos en el 20% restante. Escenas con fuertes contrastes, objetivos pequeños en comparación con el resto de la composición, retratos a media distancia o fotografías en interiores con alguna ventana en la composición son ejemplos de escenarios “conflictivos” en cuanto a exposición se refiere que podrían requerir de usar cualquiera de los otros dos modos.

¿Qué modo usas con más frecuencia?